Producción: Lloyd
Kaufman, Michael Herz, Pat Swinney Kaufman, Andy Deemer, Kiel Walker
Guion: Gabriel Friedman, Daniel Bova, Lloyd Kaufman
Música: Duggie Banas
Montaje: Brendan, C.
Flynt
Protagonistas: Jason Yachanin, Kate Graham, Allyson Sereboff,
Robin Watkins
Sinopsis
En un pueblo típicamente norteamericano, un restaurante franquicia de pollo frito decide construir una sucursal sobre las ruinas de un antiguo cementerio indio haciendo caso omiso a las protestas de los habitantes del lugar. Esto provoca que el alma atormentada de los nativos decida vengarse, convirtiendo a los comensales y empleados en pollos-zombis hambrientos de carne humana.
La Troma (La productora) se burla de todo mundo. Un coronel del Ku Klux Klan decide abrir un restaurante de su franquicia de pollo
frito (American Chicken Bunker) en un pueblo de rednecks, algunos de los empleados son inmigrantes y otros, jovenes que aún no saben que hacer con su vida. El restaurante fue
construido sobre un antiguo cementerio indio y los habitantes más jóvenes e idiotas del lugar protestan por considerar que es un irrespeto a la memoria de los nativos mientras, el
único sobreviviente indio apenas puede sostenerse en pie porque es un borracho sin remedio. La comida preparada es una auténtica mierda pero, a la
primera oferta de pollo gratis los manifestantes desisten de su causa y entran
al food fast a degustar las delicias gastronómicas que tanto adoran. Lo que sigue no
tiene mucha forma de ser explicado. Mucho gore barato y sangre verde. Toda una
bromita de Lloyd Kaufman, que se ríe un poco de las costumbres propias de su
país y su gentes.
Poultrygeist es una de las películas más puercas
que he visto. Vómitos, sodomía, gore, cagadas, bromas de mal gusto, por supuesto malas actuaciones, malos fx, musicales, etc. todo
sin el más mínimo sentido o lógica. Pero bueno, cualquiera que haya visto algo producido
por la Troma ya sabe que esperar. Una película muy burra pero con más clase que
producciones de Eddie Murphy como Norbit o El Profesor Chiflado. La Troma
siempre ha hecho películas de bajísimo presupuesto, algunas muy conocidas como
Avenger Toxic se han convertido en un icono del cine barato.
Ron Jeremy hace un
cameo y a pesar que lo suyo son las actuaciones de otro tipo, su papel no
desentona entre los demás.
Protagonistas: Kåre
Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Ika Nord, Mikael Rahm
Sinopsis
Si a uno le cuentan de una película de vampiros que trata de un
niño llamado Oskar que tiene 12 años, que es víctima de maltrato
por algunos compañeros de colegio y que se hace amigo de una vampira congelada en
una edad similar a la suya llamada Eli y que aparte, resuelven las dificultades que
se les crean a través de dos horas de metraje para finalmente terminar juntos
pues… Lo primero que pienso: Producto de entretenimiento de incluso más baja
calidad que Crepúsculo y que por supuesto no vale la pena. Pero ésta hay que verla.
Es una película ambientada en los 80´s en Estocolmo. Excelentes fx, música, diálogos, ambientación fría, oscura, muy propicia, todo muy delicado. Una historia contada como si fuese un cuento de amor entre preadolescentes, hasta cuando caes en cuenta que en verdad es una historia terriblemente sombría. Una Vampira centenaria está condenada a un cuerpo en apariencia de 12 años y tiene problemas para pasar desapercibida en sociedad. Decide, aprovechando su experiencia y la personalidad fracturada de su amiguito, someterlo a la esclavitud hasta el fin de sus días, como antes hizo con el que aparentaba ser su padre y quien tenía la obligación de alimentarla y servir de fachada ante los vecinos.
En verdad un enfoque original donde no falta la sangre, la trepada de muro y demás exhibiciones de poderes vampíricos. Técnicamente la película es algo lenta, se desliza suavemente describiendo el poderoso pero sutil influjo de Eli envolviendo a Oskar. Lo más parecido al amor.
<Déjame entrar> resulta revitalizante para el género. Un patadón en los huevos para los productores de vampirines amanerados y góticos que se pasan más tiempo lamentandose que mordiendo cuellos. Está basada en un libro del mismo nombre escrito por John Ajvide Lindqvist quien además hace el guión. En el libro se dan algunos detalles importantes que explican algunas cosas de la película como la cicatriz en la pelvis de Eli.
A veces he pensado que lo único real de la película es el Bullying y que Oscar imagina una salida para su vida desamparada: Sueña con una venganza y un escape. Psicología infantil o algo así.
Cuatro amigos profesionales en
ciencia e ingeniería dedican su tiempo libre al diseño de artilugios electro-mecánicos
en el garaje de una casa. En algún momento y de alguna forma se
decide la creación de un artefacto que cambiará definitivamente la vida de los
involucrados y su entorno.
De entrada decir que es una película
independiente cuyo costo no superó los 7000 dólares y que ganó el premio del gran
jurado a mejor película de Sci-fi en Sundance, el festival independiente
promovido por Robert Reford. Shane Carruth aparte de dirigir, actúa, hace de guionista, aprende de física y hace milagros con poco dinero.
La película trata sobre viajes en el
tiempo. Durante todo el metraje los diálogos son confusos, se utilizan términos técnicos
y al director no le da la gana de contar al espectador de forma clara de que trata su creación. Éste se tiene que poner en la tarea de
extraer información de lo que vé y escucha de los protagonistas. Aparte pues nada de quedarse dormido porque hay muchos detalles grandes y sobre todo pequeños
que al final son los que permiten un intento de reconstrucción de la historia. La
trama grosso modo va de: Cuatro amigos tienen un garaje de una casa para dar rienda suelta a su ingenio creador. Dos de
ellos, Aaron (El director) y Abe deciden la construcción de una máquina, un
artilugio mecánico que descubren, permite el viajar en el tiempo. El problema es que juntos
y cada uno por su cuenta sin decirle al otro ha estado utilizando la máquina por
los motivos mas diversos y además, cada cual se ha creado su máquina viajera particular
sin contarle al otro. Con base en lo anterior, se crean gravísimas distorsiones
de la realidad. Es difícil saber si en algún momento los personajes son los
<originales> o uno de los clones que al parecer existen en multiples
realidades alternas y que se pueden mover en el tiempo. Paradojas a tutiplén.
Primer es una película que no se
puede ver una sola vez, al menos si quieres enterarte de algo. Hay que hacer el
ejercicio de verla varias veces para tratar de extraer la trama.
Explicación de los fans duros de la secuencia de viajes en el tiempo.
La explicación mía y algunos otros.
Que nadie se piense que es una película de
peleas coreografiadas, ni grandísimos fx. Acordarse de los 7000 dólares. Dura tan solo un poco más de una hora y los diálogos
son pesados, no dan tregua y aparte no es sensacionalista ni cursi. Osea
que nada de efecto mariposa. Algunas personas que la intentan ver se
desaniman y abortan la misión cuando la cosa se complica y se ponen a “mirar
las musarañas”. Para otros es un reto. Un desafío que aceptan y ven una y otra
vez hasta exprimir la trama.
A algunos no les gusta Primer. Pero bueno, cosas que pasan. Para mí, Inception
es horripilante y ridículamente pretenciosa pero, para otros es una obra de arte.
Recomendada. Con unas cervezas de más y hablando de viajes en el tiempo ¿se imaginan?
El día a día de una familia disfuncional japonesa es alterado por la presencia inexplicada de un visitante que potencia ésta disfuncionalidad.
La película de Takashi Miike va de una familia. Un padre, una madre, una hija y un hijo:
-El padre es reportero, en algún momento una pandilla lo ataca, le mete un micrófono por el ano y deja el acto filmado. En otro momento es perseguido por alguien que le golpea un par de veces con una piedra en la cabeza (Q) sin motivo aparente. Se acuesta con su hija que es prostituta y al final de la película termina follandose un cadáver de una mujer que asesinó.
-La hija es prostituta, le da igual que uno de sus clientes sea su padre.
-El hijo se divierte golpeando e insultando a su madre. A la vez, es objeto de bullying por tres compañeros del colegio, tres abusones, pero ante ésta situación su comportamiento es sumiso. Parece disfrutar la humillación.
-La madre es coja y aparte sufre de abuso físico constante de parte de su hijo. Ejerce la prostitución y en sus ratos libres se da chutes intravenosos de heroína. Al final y gracias a Q descubre que oprimiendo sus pechos y expulsando leche cual vaca holstein obtiene excitación sexual y felicidad, éxtasis.
Q, El extraño. Aparece en la vida de la familia sin invitación. No les juzga, les acepta como son. La presencia de este visitante es como un catalizador que potencia el carácter grotesco de cada uno de los miembros. Termina convirtiéndose en un revulsivo que provoca la unión y felicidad de la familia por medio de la aceptación de sus comportamientos bizarros.
No es una película de miedo, es de las absurdas. Puede provocar asco, extrañeza, risa etc, e interpretarse con una crítica desde la exageración, a la familia tradicional y a la sociedad. Takashi Miike también ha dirigido Audition e Ichi the Killer, entre muchas otras películas medianamente reconocidas.
Una película transgresora, surrealista, bella a su manera. Recomendada por rara.
Un grupo de amigos deciden pasar un fin de
semana en una cabaña en las montañas y practicar deportes de nieve, beber
y tener sexo por supuesto. Con lo que no contaban es con la presencia de nada más y nada menos que una orda de zombis
afiliados al partido nacionalsocialista que aún después de muertos siguen dando
guerra.
El tema hace apetecible ver la
película, al menos para el fan de la serie B y los zombis temáticos. Aparte,
varias alegorías a películas como Evil Dead y Braindead para nada sutiles.
La historia es ridícula, pero en
el buen sentido. Un grupo de jóvenes (4 hombres y 3 mujeres) decide pasar un
tiempo de vacaciones en un sitio alejado, sin cobertura de móvil, con cervezas
y las hormonas alborotadas. De nada vale que venga un extraño a advertirles que
el sitio tiene una historia de desapariciones y que fue habitado por un
regimiento de infantería de las SS, que cometió atropellos y saqueos en esa
época y aún hoy, continúan sucediendo cosas extrañas por la zona y bla bla bla.
¿A quién le importa si hay chicas y
alcohol? Si la gente actuara con normalidad en una película de humor-terror estas, no
tendrían mucha gracia. No señor, por lo general de un conjunto de decisiones posibles se toman la más estúpidas e irracionales y se hacen los comentarios más innecesarios. El
director es cómplice y conoce a su potencial público friki:
-Tengo una pregunta.
¿Cuántas películas empiezan con un grupo de amigos haciendo un viaje sin señal de celular?
- Martes 13.
- No tienen señal porque
no tienen celulares.
- Evil Dead 1 y 2.
- Sí, más o menos. Excepto
que muchos cuentan la secuela como un remake con más presupuesto.
El director decide poner un montón
de tópicos trillados de viejas películas pero le da un giro a sus
coprotagonistas zombis. Aparte de zombis son nazis de las temidas SS que
pueden utilizar armas y entienden y obedecen órdenes de su jefe, el Einsatzgruppen Herzog. Tienen una misión, recuperar un botín
de oro que les fue arrebatado cuando estaban vivos.
En fin, un homenaje a la serie B.
Tommy Wirkola se esfuerza en recrear un hermoso escenario blanco nieve donde resalta la sangre de uno y otro
bando que se enfrenta: Los vivos y bobos vs los muertos y hambrientos de sangre
y oro.
Cero pretensiones, es cutre pero divertida, mejor que las muy comerciales que echan por los cines
cada rato. Para ver con amigos.
Otros títulos: Tumbling Doll of Flesh, Psycho, The Snuff Reels, The Snuff Film
Directed by: Tamakichi Anaru
Written by: Tamakichi Anaru
Starring: Kikurin, Yuuji Kitano, Kanako Ooba, Tamakichi Anaru
Music by: Baromu Wan
Editing by: Hai Mega Pinoko
Studio: Psycho
Distributed by: Aroma Kikaku
Release date(s): 1998
Running time: 70 minutes
Country: Japan
Language: Japanese
Sinopsis
Un hombre y una mujer (Kiku y Kana respectivamente) son contratados para rodar una película porno. En principio las cosas marchan según lo estipulado: El viejo mete-saca. Cuando finaliza el rodaje y la chica se dispone a marcharse es golpeada, amarrada y sometida a unas pequeñas amputaciones por parte de los cámaras y Kiku, su parejita de actuación. A éste último igualmente le terminan cogiendo por sorpresa y recibe un final similar al de su compañera de rodaje.
Tráiler
No hay
Fotogramas
Niku Daruma está grabada a modo de metraje encontrado, es una “snuff movie”. Simula la grabación con una cámara de video casera por tanto: malos ángulos y mala iluminación entre otros detalles. No hay subtítulos aunque no hacen falta porque el guión no existe.
El film es una especie de “making off” de la realización de una escena porno. Unas personas contratan una pareja, se les ve firmando lo que parece ser un contrato por la labor a desempeñar. Antes de la filmación, van a un supermercado y compran comida para llevar al set que no es otra cosa que una casa al parecer alquilada. Al principio hay sexo “normal”, penetración y poco más. Luego descanso y alimentación. Después la cosa se pone un poco más hardcore, la chica es amarrada con un difícil nudo, estimulada con juguetes y algunas quemaditas con cera de vela, pero al parecer es mucho para ella y decide no continuar e irse. Hasta aquí van más de 40 minutos, cuarenta largos y aburridísimos minutos donde hay que hacer un esfuerzo por mantenerse despierto porque el porno no vale la pena. Luego, cuando la chica se está vistiendo le atizan con un bate en la cabeza, le amarran a la cama y empieza la otra película, la de verdad. Mientras su compañero “Kiku” la penetra, uno de los cámaras le empieza a cercenar extremidades con un hacha; una delicatessen. Si alguien ha visto destajar un cerdo, pues eso. Solo que al cerdo no se lo follan mientras le amputan las manitas.
La película es fuerte por todo lo que sugiere. Que alguna de estas perversiones puedan existir en el corazón de los hombres. Unas escenas son más pervertidas que otras y al final me alegra que al actorcillo también le terminen extrayendo las gónadas sin anestesia. No me parece que los fx se vean tan reales, aunque están bien trabajados. A pesar de esto, es imposible o muy difícil abstraerse y no sufrir un poco mientras se observa como le cortan la lengua a una persona o maniquí o lo que sea con una máquina de afeitar y luego con unas tijeras a modo de lengua bífida. Es cierto que la mujer es horrible y mal polvo pero su penitencia no da para tanto.
Lo gracioso: Pixelan las partes pudendas de los actores mientras alegremente muestran algunas escenas vomitivas. Estos japoneses… siempre sorprende su otra visión del mundo a los no iniciados en su racionamiento.
Niku Daruma es gore extremo. Apto para el público más entrenado. Supongo que la idea del director es generar más repulsión y asco que otra cosa, además de dejar unas cuantas inquietudes ante un hecho de violencia carente de provocación. La tortura y la sangre gratis, sin necesidad. Además parte de un mito que perdura desde hace décadas, la existencia de películas Snuff, que supuestamente se han rodado y pasan de mano en mano entre un público selecto. Antes que alguien diga que sí ha visto asesinatos reales hasta por la televisión, en realidad mucha de la violencia filmada no es snuff. El término es muy específico y a día de hoy y según entiendo, no existe prueba alguna de la existencia de estas filmaciones malditas. El film es parecido a la saga August Underground de Fred Vogel que va de lo mismo. Provocación.
Por último y ante esta reseña habrá poca gente que la quiera ver, aparte es aburrida casi toda. Recordar que es ficción. Si quieren ver algo extremo y real hay que visionar 2 Girls 1 Cup, una verdadera joya inspirada por los mismimos ángeles y los ositos cariñositos.
Dirección y guión: Nicolas Vanier Países: Francia, Canadá, Alemania, Italia y Suiza. Año: 2004. Duración: 94 min. Género: Documental. Intervenciones: Norman Winther, May Loo, Alex van Bibber, Ken Bolton, Denny Denison, Robert Lafleur, Alena Lemaire, Christopher Lewis, Roy Ness, Kaori Toregai. Producción: Jean-Pierre Bailly. Música: Krishna Levy. Fotografía: Thierry Machado. Montaje: Yves Chaput.
Sinopsis
Norman es un hombre de 50 años que habita el Yukón, su profesión: Uno de los últimos tramperos. Personas rudas y solitarias, versadas en el arte de vivir en un ambiente dificultoso. Para movilizarse utiliza un trineo de perros, para abrigarse pieles y tejidos. Su vivienda es una cabaña rústica, construida en mayor parte con materiales del entorno. Su trabajo, comerciar con pieles de animales que captura colocando una línea de trampas a través de rutas que él mismo decide.
El argumento es sencillo, la cotidianidad de Norman, que tampoco es poca cosa. El personaje convive en armonía en una de las regiones más hermosas y difíciles de habitar por el hombre: El Yukón Canadiense. Una tierra subártica de auroras boreales, de largos y oscuros inviernos, de fauna abundante y diversa.
El trampero se preocupa, los suyos (los tramperos) escasean y él ya no es joven. Es uno de los últimos y verdaderos guardianes de estas tierras y teme que su estirpe se extinga y los enormes osos, los poderosos lobos y demás representantes del entorno queden a expensas de la vanidad propia de nuestra forma de vida. Su idea es obtener las pieles que pueda sin afectar mayormente el equilibrio natural. Tomar solo lo necesario para sobrevivir como acostumbraban los primeros habitantes americanos. Norman trata de regular mediante su trabajo los desequilibrios ambientales que ocasionan las empresas madereras que pese al aislamiento de la región, incursionan cada vez más hacia su interior modificando de forma dramática el paisaje.
Nicolas Vanier filma una especie de documental sobre la naturaleza boreal y su fragilidad. Constituye un llamado de atención, una metáfora sobre un entorno natural que agoniza y una crítica hacia el ambientalismo tradicional.
Muy entretenida. Para los amantes de los bellos
paisajes, los cuentos y novelas de Jack London.
Intérpretes: Clint
Eastwood, Frances Fisher, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris, Saul
Rubinek
Título en VO: Unforgiven
Año: 1992.
Duración: 131 min.
Clasificación: Mayores 13 años
Género: Western
Color o en B/N: Color
Guión: David Webb
Peoples
Producción: Clint
Eastwood
Montaje: Joel Cox
Fotografía: Jack N. Green
Música: Lennie Niehaus
Sinopsis
William Munny, un viejo cowboy que
vive en una granja con sus dos hijos pequeños, recibe la visita de un jovencísimo
caza-recompensas “Schofield Kid” que precedido por la fama de pistolero de
Munny, le ofrece participar en un trabajo: Matar a cambio de mil dólares a dos
vaqueros que cortaron la cara y las tetas a una prostituta.
En principio Munny rechaza la
oferta, por cuanto considera que lo que de él se dice son hechos del pasado.
Actos de brutalidad sin control, potenciados por el vicio del Whiskey que ahora
se encuentran superados. Sin embargo, reconsidera la situación al observar en
perspectiva su maltrecha propiedad, sus dos pequeños hijos, sus cerdos enfermos
y su esposa muerta. Así que decide cabalgar una vez más y convidar a su viejo
socio de fechorías Ned Logan y juntos, los tres, acometer este último trabajo.
La situación se termina
complicando y ante la tortura y asesinato de su amigo Ned Logan, William Munny
decide desatar los demonios que guarda en su interior, que antaño le poseían y
volcarse en una venganza contra los hombres que han cometido un crimen que
considera “sin perdón”.
Unforgiven no es una película de
acción, es un drama. La obra cumbre con la cual Eastwood finaliza su vida de
cowboy que empezaba décadas atrás con su papel como Joeen “Por un puñado de dólares” del maestro del spaghetti western Sergio
Leone (1964). Clint Eastwood recrea un personaje autoflagelado, ya entrado en
años, pobre, desacostumbrado a montar en su caballo y que con esfuerzo resiste
las inclemencias de cabalgar a campo abierto, desmitificando un poco la esencia
del cowboy americano todopoderoso. Redimido por su difunta esposa y el amor a
sus hijos de sus conductas reprobables de bandido asesino de niños y mujeres, intenta
llevar una dura vida como granjero. Al final, acoge la oferta de cabalgar en
busca de una recompensa que le hace un chico inexperto y cegatón. Como un
animal salvaje en cautiverio que se decide liberar, otea el horizonte amplísimo, siente el impulso, el
corazón que bombea con fuerza y el deseo de emprender una última aventura para
sentirse vital una vez más. Magnifico inicio.
En general los personajes: Hombres
asalvajados. Ninguno representa el bien o el mal como se acostumbra hacer para
orientar las sensaciones del espectador. Nada de sombrero blanco o negro. Venga
cada quien y escoja a quien considere un adlátere de bondad. Cosa que por otra parte me parece genial pues creo
que el director, considera a su público como personas adultas capaces de ir a
la cama sin esa delimitación.
Los actores secundarios, bien
escogidos y excelentes intérpretes construyen igualmente personajes rudos pero
igualmente sensibles. Terminan soltando cada frase que solo pueden provocar que
el espectador se sobrecoja ante las situaciones que se presentan.
Los paisajes son hermosos, observamos
de una forma nostálgica, el final de una época. El último cuarto del siglo XIX, Cuando los
últimos hombres recorrían las enormes praderas norteamericanas como viajeros
sin destino, libres. Cosas que cambiaría unos pocos años después con la
construcción de grandes carreteras, la masificación de los centros poblados y
la prohibición de la ganadería trashumante.
Los diálogos son memorables. Little Bill, el Sheriff interpretado
por Gene Hackman es un hombre acostumbrado a tratar con bandidos. En una
especie de revelación al conversar con
un escritor de pacotilla describe sin saber, al verdugo que provocara su muerte: un pistolero frio y
brutal, no el más rápido, sino el más calmo ante una situación desesperada. Little
Bill después de que William Munny dispara al barman con su escopeta:
Little Bill: Es usted un
miserable y cobarde hijo de perra. Ha matado a un hombre desarmado.
W. Munny: Pues debió
haberse armado cuando decidió decorar su salón con mi amigo.
Little Bill: ¿Es usted
William Munny de Missouri, el asesino de niños y mujeres?
W. Munny: Así es, he
matado a mujeres y niños. He disparado sobre cualquier cosa que tuviera vida y
se moviera. Y hoy he venido a matarle a usted por lo que ha hecho a Ned.
Sería recomendable visionar las
anteriores películas de cowboys que en
las que Eastwood actúa. Que son dignas de ver y nos dan una vista desde otro
ángulo de un escenario similar con un personaje bastante parecido al que aquí nos
concentra.
A partir de esta película se considera que como
director Clint Eastwood ofrece una filmografía más madura, más nostálgica, más
apreciada por la crítica como Million Dollar Baby o Letter from Iwo Jima. Unforgiven gano 4 premios óscar: mejor película,
mejor dirección, mejor actor principal y mejor actor secundario por Gene
Hackman. Además de varios globos de oro.
En fin, una grandiosa obra que
siempre estará en mi Olimpo particular de mejores películas de todos los
tiempos, la primera en cuanto al género western. Larga vida a este viejo
republicano (ya tiene 82 años) y que ojala se deje un par de películas más
antes de su retiro.
Si le gustan las de vaqueros,
esta es de las buenas.
